Doublage de personnage : techniques de la VF et création d'une voix

Le doublage en France : une tradition forte

La France double la grande majorité des films et séries étrangers diffusés à la télévision et une grande partie de ceux qui sortent en salle. Ce volume a fait naître une profession structurée : comédiens spécialisés, directeurs artistiques, auteurs de doublage, détecteurs et studios, principalement en région parisienne. Les comédiens de doublage viennent souvent du théâtre et alternent fréquemment les deux métiers.

Certaines voix sont devenues indissociables de leurs acteurs ou personnages. Le public français associe ainsi la voix de Richard Darbois à Harrison Ford et au Génie d'Aladdin, celle de Patrick Poivey à Bruce Willis, ou celles de Véronique Augereau et Philippe Peythieu à Marge et Homer Simpson. Roger Carel a prêté sa voix à Astérix dans de nombreux films d'animation et à C-3PO dans la version française de Star Wars.

La chaîne du doublage : de la détection au mixage

Le doublage d'un film suit plusieurs étapes, chacune confiée à un spécialiste. La détection consiste à repérer, image par image, tous les mouvements de bouche, les respirations, les débuts et fins de phrases de la version originale, et à les noter sur une bande. L'auteur de doublage (ou adaptateur) écrit ensuite un texte français qui respecte à la fois le sens, le ton, la durée et les mouvements de lèvres visibles.

Le texte est inscrit sur la bande rythmo, qui défile à l'écran sous l'image pendant l'enregistrement. Le directeur artistique choisit les voix, dirige les comédiens et valide les prises. L'ingénieur du son enregistre, puis le mixage intègre les voix aux bruitages et à la musique, fournis séparément par la production originale.

• Détection des mouvements de bouche et des respirations
• Adaptation du texte en français
• Calligraphie ou saisie du texte sur la bande rythmo
• Casting vocal par le directeur artistique
• Enregistrement en studio, souvent boucle par boucle
• Montage des voix et mixage final

La bande rythmo, spécificité francophone

La bande rythmo est une technique surtout utilisée en France, en Belgique et au Québec. Le texte défile de droite à gauche sous l'image et passe sous une barre de lecture fixe : le comédien prononce chaque syllabe au moment où elle franchit la barre. Les lettres sont étirées ou resserrées selon la durée des sons, et des signes indiquent les respirations, les labiales, les rires ou les bouches ouvertes.

Dans beaucoup d'autres pays, les comédiens travaillent plutôt avec des boucles courtes répétées et un casque qui leur fait entendre la version originale. La bande rythmo permet d'enregistrer de longues répliques d'un seul tenant et de garder les yeux sur l'image et le texte en même temps, ce qui facilite le jeu.

La synchronisation labiale

Le spectateur remarque surtout trois choses : une bouche qui bouge sans son, un son sans mouvement de bouche, et une consonne labiale décalée. Les labiales (b, p, m) ferment complètement les lèvres et se voient très bien en gros plan ; l'adaptateur essaie de placer une labiale française là où l'acteur original ferme la bouche. Les voyelles très ouvertes et les mouvements arrondis (o, ou) sont aussi des repères visibles.

La synchronisation ne suffit pas. Le comédien doit retrouver l'énergie, le souffle et l'intention de l'acteur original, sans l'imiter mécaniquement. Un doublage techniquement parfait mais joué à plat se repère immédiatement. Les meilleurs comédiens de doublage écoutent la version originale pour comprendre l'intention, puis jouent la scène pour de vrai, avec leur corps, devant le micro.

Créer une voix de personnage d'animation

En animation, il n'y a souvent pas de voix originale à suivre : c'est le comédien qui crée le personnage. Dans l'animation américaine, les voix sont généralement enregistrées avant l'animation, et les animateurs s'inspirent de l'enregistrement, parfois des vidéos de séance, pour construire le jeu du personnage. Au Japon, l'enregistrement se fait plus souvent sur une animation provisoire.

Une voix de personnage se construit à partir de quelques paramètres que l'on combine. Partez toujours du personnage, de sa taille, de son âge, de son caractère, et pas d'un effet de voix trouvé au hasard. La voix doit pouvoir tenir sur des heures d'enregistrement et exprimer toute la palette d'émotions, des cris aux murmures.

• Hauteur : grave, médium, aigu
• Placement : voix de poitrine, de tête, nasale, voix dans le masque
• Timbre : clair, voilé, rauque, soufflé
• Débit et rythme : rapide, traînant, saccadé
• Articulation : précise, relâchée, accent ou défaut de prononciation
• Signature : un rire, un tic verbal, une interjection récurrente

Protéger sa voix

Les voix de composition extrêmes (monstres, créatures, cris) peuvent abîmer les cordes vocales si elles sont produites en serrant la gorge. Les professionnels cherchent la distorsion ou la raucité avec un bon soutien respiratoire et une gorge détendue, s'échauffent avant les séances et placent les cris en fin de journée. Si un effet de voix fait mal ou fatigue après quelques minutes, il faut le reconstruire autrement : une voix de personnage doit être tenable sur toute une série.

Travailler avec un professeur de chant ou un orthophoniste est courant chez les comédiens qui pratiquent beaucoup l'animation et le jeu vidéo.

Se former et débuter

Le doublage est d'abord un métier de comédien. Une formation théâtrale solide reste la base, complétée par des stages spécialisés en studio pour apprendre la lecture de la bande rythmo. Les débutants commencent généralement par de petites interventions et des ambiances, en assistant à des séances pour se faire connaître des directeurs artistiques.

Entraînez-vous à lire à voix haute en avance sur le texte, à changer d'intention instantanément sur indication, et à jouer avec tout le corps sans bouger par rapport au micro. Enregistrez-vous sur des extraits sans le son original pour vérifier votre placement et votre précision.

Questions fréquentes